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Surrealismo, el asombroso arte de los sueños

Surrealismo, el asombroso arte de los sueños

El surrealismo desafía la lógica. Los sueños y el funcionamiento de la mente subconsciente inspiran arte surrealista (francés para "superrealismo") lleno de imágenes extrañas y yuxtaposiciones extrañas.

Los pensadores creativos siempre han jugado con la realidad, pero a principios de los 20th El surrealismo del siglo surgió como un movimiento filosófico y cultural. Impulsados ​​por las enseñanzas de Freud y el trabajo rebelde de los artistas y poetas Dada, surrealistas como Salvador Dalí, René Magritte y Max Ernst promovieron la asociación libre y las imágenes de los sueños. Artistas visuales, poetas, dramaturgos, compositores y cineastas buscaron formas de liberar la psique y aprovechar depósitos ocultos de creatividad.

Características del arte surrealista

  • Escenas de ensueño e imágenes simbólicas.
  • Yuxtaposiciones inesperadas e ilógicas
  • Extraños ensamblajes de objetos ordinarios.
  • Automatismo y espíritu de espontaneidad.
  • Juegos y técnicas para crear efectos aleatorios.
  • Iconografía personal
  • Juegos de palabras visuales
  • Figuras distorsionadas y formas biomórficas.
  • Sexualidad desinhibida y temas tabú
  • Diseños primitivos o infantiles

Cómo el surrealismo se convirtió en un movimiento cultural

El arte del pasado lejano puede parecer surrealista para el ojo moderno. Dragones y demonios pueblan frescos antiguos y trípticos medievales. El pintor renacentista italiano Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) utilizó los efectos trompe l'oeil ("engañar al ojo") para representar rostros humanos hechos de frutas, flores, insectos o peces. El artista holandés Hieronymus Bosch (c. 1450-1516) convirtió animales de corral y objetos domésticos en monstruos terroríficos.

¿Salvador Dalí modeló su extraña roca después de una imagen de Hieronymus Bosch? Izquierda: Detalle del Jardín de las Delicias, 1503-1504, de Hieronymus Bosch. Derecha: Detalle de The Great Masturbator, 1929, de Salvador Dalí. Crédito: Leemage / Corbis y Bertrand Rindoff Petroff a través de Getty Images

Los surrealistas del siglo XX elogiaron "El jardín de las delicias" y llamaron a Bosch su predecesor. El artista surrealista Salvador Dalí (1904-1989) puede haber imitado a Bosch cuando pintó la extraña formación rocosa con forma de cara en su obra maestra sorprendentemente erótica, "The Great Masturbator". Sin embargo, las imágenes espeluznantes que Bosch pintó no son surrealistas en el sentido moderno. Es probable que Bosch tuviera como objetivo enseñar lecciones bíblicas en lugar de explorar los rincones oscuros de su psique.

Del mismo modo, los retratos deliciosamente complejos y extravagantes de Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) son acertijos visuales diseñados para divertir en lugar de sondear al inconsciente. Aunque parezcan surrealistas, las pinturas de los primeros artistas reflejan el pensamiento deliberado y las convenciones de su época.

En contraste, los surrealistas del siglo XX se rebelaron contra la convención, los códigos morales y las inhibiciones de la mente consciente. El movimiento surgió de Dada, un enfoque vanguardista del arte que se burló del establecimiento. Las ideas marxistas provocaron un desdén por la sociedad capitalista y una sed de rebelión social. Los escritos de Sigmund Freud sugieren que se pueden encontrar formas superiores de verdad en el subconsciente. Además, el caos y la tragedia de la Primera Guerra Mundial provocaron un deseo de romper con la tradición y explorar nuevas formas de expresión.

En 1917, el escritor y crítico francés Guillaume Apollinaire (1880-1918) usó el término "surréalisme para describir Desfile, un ballet de vanguardia con música de Erik Satie, disfraces y escenarios de Pablo Picasso e historia y coreografía de otros artistas destacados. Facciones rivales de jóvenes parisinos abrazados surréalisme y debatió acaloradamente el significado del término. El movimiento se lanzó oficialmente en 1924 cuando el poeta André Breton (1896-1966) publicó el Primer manifiesto del surrealismo.

Herramientas y técnicas de artistas surrealistas

Los primeros seguidores del movimiento surrealista eran revolucionarios que buscaban desatar la creatividad humana. Breton abrió una Oficina de Investigación Surrealista donde los miembros realizaron entrevistas y reunieron un archivo de estudios sociológicos e imágenes de sueños. Entre 1924 y 1929 publicaron doce números de La Révolutionsur réaliste, una revista de tratados militantes, informes de suicidio y crimen, y exploraciones en el proceso creativo.

Al principio, el surrealismo era principalmente un movimiento literario. Louis Aragon (1897-1982), Paul Éluard (1895-1952) y otros poetas experimentaron con la escritura automática, o automatismo, para liberar su imaginación. Los escritores surrealistas también encontraron inspiración en el corte, el collage y otros tipos de poesía encontrada.

Los artistas visuales en el movimiento del surrealismo se basaron en juegos de dibujo y una variedad de técnicas experimentales para aleatorizar el proceso creativo. Por ejemplo, en un método conocido como decalcomania, los artistas salpicaron pintura sobre papel, luego frotaron la superficie para crear patrones. Similar, bulletismo implicó disparar tinta sobre una superficie, y éclaboussure implicó salpicaduras de líquido sobre una superficie pintada que luego fue esponjada. Extraño ya menudo humorístico ensamblajes de los objetos encontrados se convirtió en una forma popular de crear yuxtaposiciones que desafiaban las ideas preconcebidas.

Un marxista devoto, André Breton creía que el arte nace de un espíritu colectivo. Los artistas surrealistas a menudo trabajaban juntos en proyectos. La edición de octubre de 1927 de La Révolution surréaliste trabajos destacados generados a partir de una actividad colaborativa llamada Cadavre Exquiso Cadáver exquisito. Los participantes se turnaban para escribir o dibujar en una hoja de papel. Como nadie sabía lo que ya existía en la página, el resultado final fue un compuesto sorprendente y absurdo.

Estilos de arte surrealista

Los artistas visuales en el movimiento surrealista eran un grupo diverso. Las primeras obras de los surrealistas europeos a menudo siguieron la tradición Dada de convertir objetos familiares en obras de arte satíricas y sin sentido. A medida que el movimiento surrealista evolucionó, los artistas desarrollaron nuevos sistemas y técnicas para explorar el mundo irracional de la mente subconsciente. Surgieron dos tendencias: biomórfica (o abstracta) y figurativa.

Giorgio de Chirico. De la serie Metaphysical Town Square, ca. 1912. Óleo sobre lienzo. Dea / M. Carrieri a través de Getty Images

Los surrealistas figurativos produjeron un arte representativo reconocible. Muchos de los surrealistas figurativos fueron profundamente influenciados por Giorgio de Chirico (1888-1978), un pintor italiano que fundó elMetafisicao Metafísica, movimiento. Elogiaron la calidad onírica de las plazas desiertas de la ciudad de Chirico con hileras de arcos, trenes distantes y figuras fantasmales. Al igual que de Chirico, los surrealistas figurativos utilizaron técnicas de realismo para representar escenas alucinantes sorprendentes.

Los surrealistas biomórficos (abstractos) querían liberarse por completo de la convención. Exploraron nuevos medios y crearon obras abstractas compuestas de formas y símbolos indefinidos, a menudo irreconocibles. Las exhibiciones de surrealismo realizadas en Europa durante la década de 1920 y principios de 1930 presentaban estilos figurativos y biomórficos, así como obras que podrían clasificarse como dadaístas.

Grandes artistas surrealistas en Europa

Jean Arp: Nacido en Estrasburgo, Jean Arp (1886-1966) fue un pionero del Dada que escribió poesía y experimentó con una variedad de medios visuales como papel rasgado y construcciones en relieve de madera. Su interés por las formas orgánicas y la expresión espontánea se alinearon con la filosofía surrealista. Arp expuso con artistas surrealistas en París y se hizo más conocido por sus esculturas fluidas y biomórficas, como "Tête et coquille "(Head and Shell). Durante la década de 1930, Arp hizo la transición a un estilo no prescriptivo que llamó Abstraction-Création.

Salvador Dalí: El artista catalán español Salvador Dalí (1904-1989) fue abrazado por el movimiento del surrealismo a fines de la década de 1920 solo para ser expulsado en 1934. Sin embargo, Dalí adquirió fama internacional como un innovador que encarnaba el espíritu del surrealismo, tanto en su arte como en su comportamiento extravagante e irreverente. Dalí realizó experimentos de sueños ampliamente publicitados en los que se reclinó en la cama o en la bañera mientras dibujaba sus visiones. Afirmó que los relojes derretidos en su famosa pintura, "La persistencia de la memoria", provenían de alucinaciones autoinducidas.

Paul Delvaux: Inspirado en las obras de Giorgio de Chirico, el artista belga Paul Delvaux (1897-1994) se asoció con el surrealismo cuando pintó escenas ilusorias de mujeres semidesnudas caminando dormidas a través de ruinas clásicas. En "L'aurore" (The Break of Day), por ejemplo, las mujeres con patas en forma de árbol permanecen enraizadas mientras misteriosas figuras se mueven bajo arcos distantes cubiertos de enredaderas.

Max Ernst: Artista alemán de muchos géneros, Max Ernst (1891-1976) surgió del movimiento Dada para convertirse en uno de los primeros y más ardientes surrealistas. Experimentó con dibujos automáticos, collages, cortes, frottage (frotaciones con lápiz) y otras técnicas para lograr yuxtaposiciones inesperadas y juegos de palabras. Su pintura de 1921 "Celebes" coloca a una mujer sin cabeza con una bestia que es en parte máquina, en parte elefante. El título de la pintura es de una canción infantil alemana.

Alberto Giacometti: Las esculturas del surrealista de origen suizo Alberto Giacometti (1901-1966) parecen juguetes o artefactos primitivos, pero hacen referencias inquietantes a traumas y obsesiones sexuales. "Femme égorgée" (Mujer con el corte de garganta) distorsiona las partes anatómicas para crear una forma que es a la vez horrible y juguetona. Giacometti se apartó del surrealismo a fines de la década de 1930 y se hizo conocido por sus representaciones figurativas de formas humanas alargadas.

Paul Klee Música en la feria, 1924-26. De Agostini / G. Dagli Orti a través de Getty Images

Paul Klee: El artista alemán-suizo Paul Klee (1879-1940) provenía de una familia musical, y llenó sus pinturas con una iconografía personal de notas musicales y símbolos juguetones. Su trabajo está más estrechamente relacionado con el expresionismo y la Bauhaus. Sin embargo, los miembros del movimiento surrealista admiraban el uso de dibujos automáticos de Klee para generar pinturas desinhibidas como Musica en la feriay Klee fue incluido en exposiciones surrealistas.

Rene Magritte. El asesino amenazado, 1927. Óleo sobre lienzo. 150,4 x 195,2 cm (59,2 × 76,9 pulgadas). Colin McPherson a través de Getty Images

Rene Magritte: El movimiento surrealista ya estaba en marcha cuando el artista belga René Magritte (1898-1967) se mudó a París y se unió a los fundadores. Se hizo conocido por sus representaciones realistas de escenas alucinantes, yuxtaposiciones inquietantes y juegos de palabras. "El Asesino Amenazado", por ejemplo, coloca a hombres plácidos con trajes y bombines en medio de una horrible escena del crimen.

André Masson: Herido y traumatizado durante la Primera Guerra Mundial, André Masson (1896-1987) se convirtió en uno de los primeros seguidores del movimiento surrealista y un entusiasta defensor del dibujo automático. Experimentó con drogas, se saltó el sueño y rechazó la comida para debilitar su control consciente sobre los movimientos de su pluma. Buscando espontaneidad, Masson también arrojó pegamento y arena a los lienzos y pintó las formas que se formaron. Aunque Masson finalmente regresó a los estilos más tradicionales, sus experimentos llevaron a nuevos enfoques expresivos del arte.

Joan Miró. Femme et oiseaux (Mujer y pájaros), 1940, n. ° 8 de la serie Constelaciones de Miró. Aceite de lavado y gouache sobre papel. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 pulgadas). Crédito: Tristan Fewings a través de Getty Images

Joan Miró: El pintor, grabador, artista de collage y escultor Joan Miró (1893-1983) creó formas biomórficas de colores brillantes que parecían surgir de la imaginación. Miró utilizó garabatos y dibujos automáticos para despertar su creatividad, pero sus obras fueron cuidadosamente compuestas. Expuso con el grupo surrealista y muchas de sus obras muestran la influencia del movimiento. "Femme et oiseaux" (Mujer y pájaros) de la serie Constelaciones de Miró sugiere una iconografía personal que es reconocible y extraña.

Meret Oppenheim: Entre las muchas obras de Méret Elisabeth Oppenheim (1913-1985) había ensamblajes tan escandalosos que los surrealistas europeos la recibieron en su comunidad de hombres. Oppenheim creció en una familia de psicoanalistas suizos y siguió las enseñanzas de Carl Jung. Su famoso "Objeto en piel" (también conocido como "Almuerzo en piel") fusionó una bestia (la piel) con un símbolo de civilización (una taza de té). El inquietante híbrido se hizo conocido como el epítome del surrealismo.

Pablo Picasso: Cuando se lanzó el movimiento surrealista, el artista español Pablo Picasso (1881-1973) ya era elogiado como un antepasado del cubismo. Las pinturas y esculturas cubistas de Picasso no se derivaron de los sueños y solo bordeó los bordes del movimiento surrealista. Sin embargo, su trabajo expresó una espontaneidad que se alineó con la ideología surrealista. Picasso expuso con artistas surrealistas y tuvo obras reproducidas enLa Révolution surréaliste. Su interés por la iconografía y las formas primitivas lo llevaron a una serie de pinturas cada vez más surrealistas. Por ejemplo, "On the Beach" (1937) coloca formas humanas distorsionadas en un entorno de ensueño. Picasso también escribió poesía surrealista compuesta de imágenes fragmentadas separadas por guiones. Aquí hay un extracto de un poema que Picasso escribió en noviembre de 1935:

cuando el toro abre la puerta del vientre del caballo, con su cuerno, y saca el hocico hasta el borde, escucha en el más profundo de todos los abismos más profundos, y con los ojos de santa lucía, los sonidos de las furgonetas en movimiento apretadas con picadores en ponis arrojados por un caballo negro
Hombre rayo. Rayografía, 1922. Impresión en gelatina de plata (fotograma). 22,5 x 17,3 cm (8,8 x 6,8 pulgadas). Archivo de imágenes históricas a través de Getty Images

Hombre rayo: Nacido en los Estados Unidos, Emmanuel Radnitzky (1890-1976) era hijo de un sastre y una costurera. La familia adoptó el nombre de "Rayo" para ocultar su identidad judía durante una era de intenso antisemitismo. En 1921, "Man Ray" se mudó a París, donde se hizo importante en el Dada y los movimientos surrealistas. Trabajando en una variedad de medios, exploró identidades ambiguas y resultados aleatorios. Sus rayografías eran imágenes espeluznantes creadas colocando objetos directamente sobre papel fotográfico.

Hombre rayo. Objeto indestructible (u objeto para ser destruido), reproducción de gran tamaño del original de 1923. Exposición en el Museo del Prado, Madrid. Atlantide Phototravel a través de Getty Images

Man Ray también fue conocido por sus extraños ensamblajes tridimensionales como "Object to Be Destroyed", que yuxtaponía un metrónomo con una fotografía del ojo de una mujer. Irónicamente, el "Objeto para ser destruido" original se perdió durante una exposición.

Yves Tanguy: Todavía en su adolescencia cuando la palabra surréalismesurgido, el artista francés Yves Tanguy (1900-1955) se enseñó a pintar las formaciones geológicas alucinantes que lo convirtieron en un ícono del movimiento surrealista. Paisajes oníricos como "Le soleil dans son écrin" (El Sol en su caja de joyas) ilustran la fascinación de Tanguy por las formas primordiales. Realista, muchas de las pinturas de Tanguy se inspiraron en sus viajes por África y el suroeste de Estados Unidos.

Surrealistas en las Américas

El surrealismo como estilo de arte sobrevivió al movimiento cultural fundado por André Breton. El apasionado poeta y rebelde expulsó rápidamente a los miembros del grupo si no compartían sus opiniones de izquierda. En 1930, Breton publicó un "Segundo Manifiesto del Surrealismo", en el que criticó a las fuerzas del materialismo y condenó a los artistas que no abrazaron el colectivismo. Los surrealistas formaron nuevas alianzas. A medida que se avecinaba la Segunda Guerra Mundial, muchos se dirigieron a los Estados Unidos.

La prominente coleccionista estadounidense Peggy Guggenheim (1898-1979) exhibió surrealistas, incluidos Salvador Dalí, Yves Tanguy y su propio esposo, Max Ernst. André Breton continuó escribiendo y promoviendo sus ideales hasta su muerte en 1966, pero para entonces el dogma marxista y freudiano se había desvanecido del arte surrealista. Un impulso por la autoexpresión y la libertad de las limitaciones del mundo racional llevó a pintores como Willem de Kooning (1904-1997) y Arshile Gorky (1904-1948) al expresionismo abstracto.

Louise Bourgeois. Maman (Madre), 1999. Acero inoxidable, bronce y mármol. 9271 x 8915 x 10236 mm (aproximadamente 33 pies de alto). En exhibición en el Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry en Bilbao, España. Nick Ledger / Getty Images

Mientras tanto, varias mujeres artistas líderes reinventaron el surrealismo en los Estados Unidos. Kay Sage (1898-1963) pintaron escenas surrealistas de grandes estructuras arquitectónicas. Dorothea Tanning (1910-2012) ganó elogios por pinturas fotorrealistas de imágenes surrealistas. Escultor franco-estadounidense Louise Bourgeois (1911-2010) incorporaron arquetipos y temas sexuales en obras altamente personales y esculturas monumentales de arañas.

Frida Kahlo. Autorretrato como tehuana (Diego en mi mente), 1943. (Recortado) Óleo sobre masonita. Colección Gelman, Ciudad de México. Roberto Serra - Iguana Press / Getty Images

En América Latina, el surrealismo se mezcló con símbolos culturales, primitivismo y mito. Artista mexicano Frida Kahlo (1907-1954) negó que ella fuera una surrealista, contando Hora revista, “Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad ”. Sin embargo, los autorretratos psicológicos de Kahlo poseen las características de otro mundo del arte surrealista y el movimiento literario del realismo mágico.

El pintor brasileño Tarsila do Amaral (1886-1973) fue partera de un estilo nacional único compuesto de formas biomórficas, cuerpos humanos distorsionados e iconografía cultural. Empapados de simbolismo, las pinturas de Tarsila do Amaral podrían describirse libremente como surrealistas. Sin embargo, los sueños que expresan son los de una nación entera. Al igual que Kahlo, desarrolló un estilo singular aparte del movimiento europeo.

Aunque el surrealismo ya no existe como un movimiento formal, los artistas contemporáneos continúan explorando las imágenes de los sueños, la asociación libre y las posibilidades del azar.

Fuentes

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